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【观点】我的绘画艺术

2017-11-22 17:12:38 来源:雅昌艺术网作者:王克举
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  从九七年开始我试图把对画面形式因素的一些想法在风景画中进行尝试。一开始画面所呈现的面貌基本接近对象,后来慢慢开始改变、打破、重建。这个过程是很艰难的,需要克制自己以往的许多习惯。画到一定程度的时候,画面的构成表现有了很多的主动性,视觉效果的改变让人心生快慰。从开始的三四十公分的小画到一米、两米甚至八米的大画慢慢地越画越大,从被动写生到主动把握画面,十多年来逐渐的积累,养成了画画必须面对自然景色进行创作的习惯。创作的心情也会跟随地域、季节和气候而变化,继而呈现出不同时期不同表达样式的画面效果。外出画画成了我艺术创作的主要途径,工作室成了修改、加工、深化和陈列作品的场所。

《春来大别山》 160x200cm 2016

  直接面对自然景色,容易引发强烈的表现欲望。写生选景有时像探险。艰苦还有诸多不便,诸如搬运画架、画布、画箱、颜料等;驾驭大的画面需要凝神聚气;画画时需要一鼓作气,更需要体力,风吹日晒甚至淋雨都需要有吃苦的准备。而这些都特别适合我,在庄稼地里钻,在山崖上跑,是我小时候经常做的事,有一种回归的感觉,也是一种释放。

《春来杨汇丛丛绿》 160x200cm 2016

  据说中国古代要想成就一位大画家,除天资外首先家中要有大量的名作收藏,第二要拜名师研习;第三才是努力和悟性。现代中国人初习书法、中国画都要先临摹,这是寻找和建立一个高的起点,凭借这样的意识再去看待自然,已经是经过视觉表达方式转变后的观看。早期的西方人学习绘画是作坊制,徒弟临摹师傅的作品,当然遇到名师就会出高徒;梵高到达巴黎后疯狂的临摹印象派绘画,才有了梵高这样的成就;今天在西方博物馆里不时地可以看到临摹研习者。由此可断言绘画的学习,研究传统的重要性。而我们现在学习西方绘画一上来就是对景对物写生较少临摹名画(哪怕是印刷品)。如果还不清楚绘画语言的转变关系,面对自然就容易误以为画得准画得像就是绘画的目的,容易养成被动的照抄自然的习惯。不注重传统文化的深入研究,就会使得我们的油画研习起点太低,走许多的弯路。一个画家艺术上的前景如何,同样的才份同样的努力谁的文化积淀厚谁就走得远。

《雁荡烟雨》 120x140cm 2016

  从模仿自然到主动地组织画面的形式语言是一个艰难的探索过程。我渴望能从风景画中找到突破口,来实现自己的想法。由此开始了从以往的立体空间造型的研究转向画面形式因素的探索。画中所体现的文学性情节和生活情感表达也由对画面中的绘画语言探索所替代。在以往画画中更多的是对自然的造形和自然色彩的依赖,而很少去注意情绪与画面中形式因素的关系。如自然中的形状本是特点不明确的的或接近的,我会因顾忌生活的真实而不假思索地照搬上去。自然中的色彩放到画面上是否协调也很少考虑,仅凭生活逻辑和习惯的作画经验去画画。但当我开始考虑情景表达的时候这一切都随之改变了,它迫使我很理性的把自然形色变成了相应的笔触、肌理和色块等符号性的东西。并单纯的考虑形与形色与色之间的搭配关系。这时我的每一幅作品虽然都来自自然,但已不是被动的照抄自然了。

《黄土沟壑》 160x200cm 2016

  我不刻意追求画面的空间感,却关注画面色彩关系的处理和画面各种对比关系的层次安排。当空间意识被弱化,透视规律不再被奉为宗旨之后,回归到艺术的本质呈现。从印象派后期开始,有不少艺术大师进行这方面的探索和尝试,他们的经验给我诸多启发。对我来说,画室中作画和到大自然中去感受阳光气息是两种截然不同的状态:在既定氛围中去调动作画情绪是艺术创作的契机,而在情绪饱满时作画,其相应的形式因素更会富于情感内容。当看到不同景色,听到不同音乐,心里会产生异样的感觉,此时的线条和色彩会随情绪波动自然地流于笔端,从而画出不同的视觉符号,情感的信息也会因笔触变化弥漫于画面。这是一种瞬时即失的细微感受,也是情感最直接的视觉表达,是心与境、情与画的最直接的亲和关系。

《奔腾山野》 160x200cm 2016

  第一次画高粱的时候。很惊奇!没想到高粱会有那么多变化,那么多品种。刚长出来的,是一种姿态,细细的直直的;成熟的,向下垂散着;有的就像长满了芝麻粒一样硕实;有的穗子很长,象马尾巴一样飘洒着。有绿得、红的、白的、灰的、黄的等。它们像人一样,都有性格,各有特点。姿态万千的高粱一时会让人眼花缭乱,但进入我画面中的高粱形象却是我在地里尽情选择的结果,它们不会重复而各具风姿,体现着自然生命的节率和丰富。

《南国华滋》 140x160cm 2015

  我的每一幅作品虽然都来自自然,但已不是被动的照抄对象。对我来说自然对象越多越乱越好,它能为我提供丰富的参照和情感的启发,按照我的感受和作画的规则我可以在杂乱中整理出一个新的画面视觉次序来,并赋予画面一新的理解和意境。不同的形状和生长结构是构图的需要,不同的纹理和质感则变成用笔和肌理。斑斓多彩的景色为画面提供了丰富的色调参照。画面中存在着许多象书法和水墨画中所要注意的问题。也就是单纯的宽窄、大小、曲直、干湿、浓淡、虚实、厚薄、强弱、秩序、结构和气、势、韵等等。这些就是我营造画面氛围时所注意的基本问题,并正在努力去作的事情。

《昨夜春雨》 140x160cm 2015

  中国的艺术是为人的艺术。古代的中国人讲究琴棋书画,将艺术作为陶冶性情自我完善的手段。在艺术创作中强调的不是如何地出奇创新,而是参悟修炼中所达到出神入化的境界。与高大直率的西方人相比,中国人显得委婉而内在;与棱角分明的西方人相比,东方人尽管多了许多的可变与圆滑,但在艺术中这种含蓄与内在表达的是另一种生命的价值。东西方艺术的差异,其根源在于地域、人种、哲学与文化等方面的差异。中西方的艺术,不必硬分出孰优孰劣:多姿多彩,恰是艺术最真实的面貌。

《夜幕洒落悄无声》 140x160cm 2015

  写生就像写诗:面对自然触景生情,如何选用与之契合的语言把它传达出来,在这一层面,诗人、画家思考的是同一个问题。

《海口冬日的暖风》 54x62cm 2015

  对景写生的过程中,最能撩拨人的情绪的是自然的鲜活、勃勃的生机以及旷野中的静谧。最让人感到富有挑战的同样也是它。因为它的瞬息变幻;因时、因天、因地、因情的不同而引发的一种氛围一种情景,一个画家无论有多么丰富的视觉表现经验,需要面对的,就是如何保持作画过程中自始至终的一致性,牢牢地把握住这种感觉。或许随着时间的推移光线、温度、环境等等与先前已大有不同,但是需要记住的还是那个停留在记忆当中的氛围和情绪,那种不可复现的劲儿……并探索与此情带来的新的绘画语言的这便是写生的魅力。

《涨潮》 140x160cm 2014

  在画面当中,自然风物的造型与色彩背后所隐藏的、触动人的情绪,正是我最需要的部分。与西方古典油画不同,光的明暗对于我的意义并不大,略去它们,可以更加自由地随时随地把瞬间在画布上还原,并在记录它们的同时,寻找自己。

《静静的港湾》 140x60cm 2013

  你所面对的一切外物它只是你情感引发的契机,和构筑画面的因素,其中有最最打动你的某一个姿态或者某几个造型‘或一种中体的气息永远只按照自己的轨迹变化、行走,不会依从于任何一种心情——哪怕你想要留住它最为撼人的姿态。所以,写生创作,更像是一场暗恋,画家所能做的,唯有倾诉。

《春潮》 160x80cm 2013

  在表达一种感受的时候,我会去强化这种感觉。比如我表现春意盎然的桃花园,当你身临在那个氛围时,会感觉到满园的春色和和煦的春风,心情极期爽朗清新。要表达这种感觉,不能画平视的视觉效果,而要画那种俯视的充满画面的感觉,让整个画面有一种扑面而来的感觉。

《杏花开时雾遮山》160x180cm2013

  刚开始画风景画的时候,形式方面的因素考虑会多一些,怎么把握好节奏感、完整性,越到后来,情绪的表达会越强烈。用性情去控制画面的色彩和造型,就像我们学写字一样,写到一定程度,在书写的过程中,会把情绪意志带进去一样。

《蒙山春早》180x200cm2011

  心理学家教人一种发泄胸中怨气时的方法,当你生气时用笔乱写乱划,当划完后心情就会好起来。二十世纪三十年代德国包豪斯设计学院在训练学生时让学生听不同的音乐,然后用铅笔在纸上涂鸦以表达此时的感觉。我相信当我们看到不同心情时,所涂画的图形或笔划时定能从中感受到划着的心情。就像我们看草书、狂草时,虽然我们有时看不懂写的是什么字,也不去理解所写的内容。但首先感到的是此时的激情、情绪给我们的冲击。这是一种瞬时的即时感觉,也是一种只可意会不可名状的感觉。每当我们面对一个让人心动的景色是,就想用形状色彩和笔触去书写这样的感觉。

《沂蒙山区好风光(春山萌动)》 180x200cm 2011

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